DANZA JAZZ

 

 

La Danza Jazz tiene múltiples variantes.

Surge de la danza social y artística de la

música que utiliza el jazz o alguna de sus

variaciones, y cuyo origen se remonta a las

danzas negras del siglo XIX y anteriores.

Actualmente, existen varios estilos de danza

jazz, los cuales se han ido configurado

combinando movimientos y técnicas del

ballet tradicional, claqué, danza

contemporánea o urbana.

Es un baile muy dinámico que se basa en

movimientos intensos, aeróbicos y muy

expresivos. Las personas que hacen danza jazz,

mejoran rápidamente su condición física,

tonifican los músculos, aumentan la flexibilidad,

adelgazan… Además, mejora la capacidad respiratoria

y cardiaca y mejora el sentido del ritmo, la agilidad,

el control del cuerpo, la memoria y la coordinación y

la cognición en general.

Durante la sesión, segregamos adrenalina y endorfinas,

que proporcionan una gran sensación de bienestar y

felicidad, y posteriormente contribuyen a un mejor

descanso. Además, la concentración en memorizar

pasos y seguir el ritmo, mantiene la alejada de

divagaciones, problemas y pensamientos negativas.

 

 

ESTILOS

 

Clasical Jazz

Caracterizado por movimientos llenos de

fuerza y sensualidad lírica, derivados de las

sensaciones corporales provocadas por la

música de blues y jazz contemporáneo.

 

 

 

 

 

 

 

Modern Jazz

Utiliza técnicas del ballet clásico combinadas

con estilos de libre expresión y

estética corporal con músicas comerciales.

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Broadway Jazz

Este estilo es delineado por técnicas de

expresión corporal, jazz y danza

contemporánea donde el objetivo es

la representación y

personificación teatral sobre diversos ritmos

musicales utilizados en montajes y

espectáculos musicales.

 

 

 

 

 

Street Jazz

Derivado de la música electrónica o acústica,

con movimientos agresivos y fuertes.  

Es un estilo de danza desenfadado y

ecléctico que combina técnicas del Funky,

Hip hop, Popping, Locking, Sexy Style…

 

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Desarrollo de las clases

 

Comienzan con un calentamiento de

flexibilidad general y aeróbico-cardio-vascular. Continúan con una parte de técnica de Danza y finalizan con coreografía, donde se irán uniendo, de forma progresiva, los pasos aprendidos.

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Puedes completar con nuestros cursos intensivos de:

 

TAP

CHARLESTON 

JITTERBUG....

o con clases regulares de

DANZA CLÁSICA o CONTEMPORÁNEA.

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DANZA CONTEMPORÁNEA

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La danza contemporánea es un tipo de

expresión artística que está basado en la

técnica del ballet clasico, y que

conllevaba menor rigidez de movimientos

. Surge como una reacción a las formas

clásicas y probablemente como una

necesidad de expresarse más libremente

con el cuerpo. Es una clase de danza en la

que se busca expresar, a través del bailarín, o bailarina, una idea, un sentimiento, una emoción, con movimientos corporales propios del siglo XX y XXI. Así como los sentimientos cambian, los bailarines, y las bailarinas contemporáneos/as deben cambiar constantemente. Es importante el individualismo, la abstracción… Las bailarinas y los bailarines tienen poco en común, además del rechazo de las tradiciones existentes y del deseo de reexaminar los principios fundamentales de la danza como medio de comunicación.  El origen de este movimiento se debe a grandes creadores y pioneras en la ruptura con la danza clásica, como fueron Isadora Duncan,  Loi Füller, Ruth Saint Denis y Mary Wigman, quienes buscaron darle a la danza un sentido más expresivo, social, ritual  y comunicativo, apoyándose en fuentes de inspiración clásicas u orientales .La segunda ola de bailarines modernos surgió en Nueva York, entre los que se cuentan Martha Graham, Doris Humphrey y Charles Weidman. Para estos bailarines la fuente del movimiento era más interna que externa, recurriendo a acciones naturales como el respirar, el caminar o la exploración psicológica de las emociones a través del movimiento abstracto de la danza. El tercer gran periodo de esta disciplina surgió al finalizar la Segunda Guerra Mundial y aún posee vigencia. Bailarines como Alwin Nikolais, Merce Cunningham, entre otros, fusionaron técnicas provenientes de la danza  social, el ballet y la danza moderna.

 

Características y beneficios de la Danza Contemporánea:

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Esta danza desarrolla al máximo la capacidad interpretativa, teniendo una importante exploración dramatúrgica, cuya finalidad es la trasmitir un mensaje, idea y emoción a través de la coreografía. Amplía el rango y las calidades de movimiento, utilizando el espacio y los diferentes puntos de apoyo con mayores posibilidades. Además, incorpora los recursos propios de la escenografía y el lenguaje multidisciplinar del medio audiovisual, por ejemplo.

La danza contemporánea cuenta con numerosos beneficios para la salud, especialmente para problemas relacionados con el estrés y ansiedad. Es la excusa perfecta para la liberación del cuerpo, la mente y el alma, mejorando cualitativamente el estado de ánimo de quién lo practica. Se aprenden procesos que ayudan a escuchar al cuerpo para liberar las emociones a través del movimiento y a liberar tensiones que bloquean nuestro bienestar físico y emocional. Ayuda a expresar tu verdadero YO a través de la interpretación personal de la música, manifestando el libre movimiento. Aumentando así la motivación y disminuyendo procesos depresivos al poder exteriorizar las emociones a través de nuestro propio cuerpo. Aumenta la autoestima, exponiendo tu propia manera de bailar desarrollando un conocimiento y un control profundo del cuerpo, incrementando a la vez la creatividad física y mental. Mejora la calidad de la respiración, porque en muchas técnicas es el principal fundamento del movimiento. Ayuda a superar la timidez y aumenta la confianza en uno mismo. Tanto a través del movimiento como del trabajo en grupo, pues ayuda a establecer nuevas relaciones.   

En nuestras clases de Danza contemporánea podrás trabajar las siguientes técnicas:

 

 

Técnica Graham

Se basa en un contraste central: relajación al inspirar, contracción al expirar. La contracción se origina en la región pélvica, de donde procede su explícita tensión sensual, así como los movimientos angulares percutores que fluyen por el cuerpo y a lo largo de brazos y piernas. Contracción y relajación son atraídas por un impulso repentino que puede hacer caer el cuerpo al suelo, sacudirlo en un giro o impulsarlo en un salto. La tensión se produce entre la espalda y la cintura, la cabeza y el pecho o el hombro y el cuerpo contra el suelo.

El acto principal de la técnica, por tanto, es la respiración. Es el proceso fisiológico que implica la parte central del cuerpo: tórax y abdomen. El abdominal es fuente de energía en cuanto a zona de conexión de las dos fuerzas fundamentales creadoras de vida: el sexo y la respiración. El ejercicio central de esta técnica es la contracción (exhalación) y la relajación (inhalación), movimiento de dos fuerzas opuestas y complementarias que simboliza el flujo de la respiración. El "contaction-realease" produce una curva cóncava en la parte final de la espina dorsal. Mediante el empuje de la columna hacia atrás, se establece un circuito vital entre el muslo y la pelvis, que sube por el torso y se cierra sobre sí mismo.

No hay que olvidar que, en la relajación, no se pierde el dominio del cuerpo. Justamente es el dominio de la zona abdominal lo que permite al bailarín tener un equilibrio en toda posición y un centro del cual se desprende toda la energía. Este centro permite incorporarse de cada caída sin aparente punto de apoyo. Otra característica del entrenamiento es el constante contacto con el suelo. El pie se estira desde el talón (elemento que extrae de otras culturas, fundamentalmente indígenas). Otro movimiento característico lo constituyen los espirales: el cuerpo se torsiona sobre sí mismo. Los espirales, los cambios de dirección, los saltos: todo tiene su origen en el centro de energía: la pelvis. Marta Graham tomó elementos del ballet y las danzas orientales, lo cuales fueron fundidos y elaborados con originalidad y en relación a intereses completamente alejados de la técnica clásica.

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Técnica Cunningham

 

La técnica Cunningham fue creada por Merce Cunningham(1919-2009), un bailarín y coreógrafo estadounidense. Ésta se aleja de toda tendencia expresionista y rompe con la narrativa, carece de énfasis sentimental. En contraposición a los temas psicológicos y literarios desarrollados por Martha Graham, se centró en el movimiento e hizo de éste el foco principal de trabajo, siendo relevante la investigación corporal y la libertad creativa. Su técnica coreográfica combina, de modo aleatorio, una serie de secuencias previamente seleccionadas. Se caracteriza por ser una danza independiente y autónoma en relación a la música.

Los conceptos claves de esta técnica son:

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Torso y trabajo de piernas: claridad, fuerza y flexibilidad, tanto en la columna vertebral como en el trabajo de piernas. El torso y las piernas se utilizan en coordinación o en oposición entre sí.

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Conciencia espacial: se gana mediante la implementación de múltiples cambios de dirección dentro de una sola frase. En trabajos más avanzados, varias partes del cuerpo se mueven simultáneamente en múltiples direcciones.

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Precisión rítmica: Se da una variedad de compás y tempo a lo largo de la clase para construir una base para la precisión rítmica y el movimiento dinámico

 

Técnica Hawkins

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Erick Hawkins (1909–1994) fue un destacado coreógrafo y bailarín estadounidense de danza moderna. Una actuación de los bailarines alemanes Harald Kreutzberg e Yvonne Georgi lo impresionó tanto que se fue a Austria a estudiar danza con el primero. Más tarde, estudió en la Escuela de Ballet Americano. Pronto estuvo bailando con el American Ballet de George Balanchine. En 1937, coreografió su primer baile, Show Piece , que fue interpretado por Ballet Caravan. Al año siguiente, Hawkins fue el primer hombre en bailar con la compañía de la famosa coreógrafa y bailarina moderna Martha Graham.  Después de dejar Graham Company, el trabajo de Hawkins se movió hacia una visión estética separada de la psicología realista, la trama, la agenda social o política o el simple análogo musical. Influencias importantes fueron las danzas de los indios americanos, la estética japonesa, el pensamiento zen, así como los clásicos griegos. De alguna manera, tomó la danza en una dirección similar a la que los pintores "abstractos" estaban tomando del arte.  Erick Hawkins desarrolló esta técnica con la intención de dar al bailarín un entrenamiento que no causara lesiones. Para lograr esto, incorporando en su técnica conocimientos de la kinesiología y de disciplinas espirituales orientales. Con la Técnica Hawkins de logra el movimiento de cada parte de tu cuerpo usando el mínimo esfuerzo muscular. El principio central de la Técnica Hawkins es el uso de movimientos fluidos y libres que se inician desde el centro de gravedad del cuerpo. La técnica se enfoca en generar movimientos que sigan los principios anatómicos de la postura y la alineación corporal. Hawkins creía que la danza era una expresión de la integración del cuerpo, la mente y el alma. Su técnica ayuda precisamente a desarrollar esa integración.

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Desarrollo de las clases

Las sesiones son de una hora y media de duración. Comienzan con un calentamiento; luego trabajamos técnica en suelo,  centro, diagonales y coreografía. Combinamos las diferentes escuelas y técnicas citadas más arriba, para un desarrollo intergral de esta disciplina.

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DANZA TEATRO

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La danza teatro se define como una

combinación de danza y elementos del teatro,

dando como resultado a una forma singular

de danza, el cual es empleado para hacer

referencia a la realidad.

Este concepto tiene sus orígenes en los años

20, cuyo término es encontrado en obras

realizadas por integrantes del expresionismo,

quienes tenían la intención de alejarse de los

estilos impuestos por el ballet clásico.

Concretamente, este estilo surge de la danza

expresionista alrededor de 1927, y el Tanztheater (“teatro de danza”) fue usado por primera vez por el que es considerado el padre fundador de la danza expresionista: Rudolf von Laban. No obstante, Pina Bausch fue la responsable en otorgarle forma y madurez a la danza-teatro, razón por la cual se le atribuye el hecho de ser pionera de la misma.

La danza es, fundamentalmente, una forma de arte que ayuda a transmitir emociones, sentimientos y pensamientos. danza teatro corresponde a la danza que emplea fuertemente elementos expresivos del teatro. 

 La Danza-Teatro es la expresión dramática del cuerpo. Utiliza el movimiento abstracto:  movimiento que deja de considerar la necesidad de la representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje autónomo, dotado de sus propias significaciones. Usa un lenguaje que utiliza fundamentalmente los conceptos de forma, tiempo espacio y sus variantes, creando una composición que puede existir con independencia de referencias del mundo real. 

Sus movimientos son siempre gestualizaciones contundentes que alternan con actitudes dramáticas, con caídas, golpes, saltos, colapsos.

 

Se compone de varios elementos, que en conjunto conforman la técnica y la disciplina subyacente. Estos son:

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El cuerpo. El cuerpo humano es la base de la danza, de donde proviene y donde termina el movimiento y su esencia,

La acción. La acción es el movimiento en sí, rápido o lento, breve o largo, suave o fuerte.

El espacio. Se refiere al escenario, el medio en el que se realiza la danza.

El tiempo. El tiempo hace referencia al ritmo de la acción, del movimiento. Puede ser secuencial o temporal, poseer intervalos predecibles o no, ser rápido o lento.

La energía. La energía del movimiento se refiere a la fuerza empleada, tanto física como mental.

La danza teatro ayuda al / a la practicante a abrir su mente, a explorar nuevos ámbitos y a trabajar con su cuerpo emociones y situaciones antes no experimentadas.

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La importancia de las técnicas de improvisación y composición.

Estas prácticas son fundamentales para el desarrollo de la creatividad enfocada desde la abstracción en el arte de la expresión corporal... Vivenciando estas experiencias, el estudiante tiene la posibilidad de buscar en su propia creatividad y hacer emerger lo que sus posibilidades corporales e imaginación le permiten.

a importancia de las técnicas de improvisación y composición.

Estas prácticas son fundamentales para el desarrollo de la creatividad enfocada desde la abstracción en el arte de la expresión corporal... Vivenciando estas experiencias, el estudiante tiene la posibilidad de buscar en su propia creatividad y hacer emerger lo que sus posibilidades corporales e imaginación le permiten.

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Desarrollo de las clases 

Sesiones de 5 horas de duración en formato de Laboratorio de creación escénica. Comenzamos con un calentamiento  en suelo, técnica en centro ( segmentación articular, pesos, dinámicas...), desplazamientos e incorporación de elementos dancísticos y expresivos..Continuamos con imporvisaciones dirigidas para la adquisicón de los componentes de esta danza. Trabajamos con elementos rítmicos, emocionales y teatrales en el espacio. Conoceremos y pondremos en práctica distintos métodos y acercamientos a la creación de partituras de movimiento. 

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DANZA CLÁSICA

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El ballet clásico es cualquiera de los estilos tradicionales y formales de ballet que emplean exclusivamente la técnica del ballet clásico . Es conocido por su estética y técnica rigurosa (como el trabajo de puntas , la apertura de las piernas y las extensiones altas), sus movimientos fluidos y precisos y sus cualidades etéreas.

Existen variaciones estilísticas relacionadas con un área u origen, que se denotan mediante clasificaciones como ballet ruso , ballet francés , ballet británico y ballet italiano . Por ejemplo, el ballet ruso presenta extensiones altas y giros dinámicos, mientras que el ballet italiano tiende a estar más conectado a tierra, con un enfoque en el juego de pies rápido e intrincado.

La clase se encuentra dividida basicamente en tres partes: el trabajo de barra, el trabajo de centro y los grandes saltos y allegros. Los ejercicios en la barra son llevados a cabo en la primera parte de la clase para proseguir con los ejercicios de centro y terminar con waltz, grandes saltos y allegros.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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Composición de una clase de ballet

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Trabajo de barra en la clase de ballet

Por lo regular se sigue un orden para los ejercicios y estos generalmente son:

Pliés, Grands Pliés, Battement tendu en primera, Battement tendu en quinta, Battements Jetés, Rondes de jambes, Battements Fondus, Battements Frappés, Battu,Développés o Adagio y usualmente el último ejercicio de la barra termina con un ejercicio de Grands Battements.

Uno de los penúltimos ejercicios realizados durante la barra es el adagio que consiste en un ejercicio lento con pronunciamiento en la elevación de piernas, ya sea con développés, relevés lents o en fondu en distintas colocaciones y posiciones, que pueden ir devant (en frente), a la seconde (a la segunda o al lado), derriere (atrás) y en posicionamiento croisé, effacé o al éccarté. Es común también que en este ejercicio se realice grands rondes de jambes con elevación de piernas de manera lenta.

El último ejercicio que se realiza en la barra es el grand battement que no es otra cosa que la elevación de piernas de manera azotada pero controlada y con gracia.

 

Trabajo de centro en clase de ballet

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Una vez que se han practicado dos o tres ejercicios donde son parte fundamental los battements tendus, jetés, pirouettes, cambio de direcciones, y otros giros, se realizan los ejercicios de pequeños saltos o petit allegro.

En estas combinaciones se pueden incluir pasos como: glissade, assemblé, jeté, pas de bourreé, brisé, sissonne, temps levé, soutenu, temps de cuisse, changement, échappé, soubresaut, ballonné, royal, ballotté, entrechat quatre, entrechat six, por mencionar sólo algunos.

Una vez que se realizan uno o dos ejercicios de este tipo, vienen los ejercicios de la esquina que son por lo regular grandes allegros o waltzes con grandes saltos que pueden incluir lanzamientos de piernas, giros y balancés.

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Grandes saltos y allegros en ballet

En los ejercicios de la esquina puede darse también los ejercicios exclusivamente para practicar pirouettes u otro tipo de giros como los piques chaines.Como último ejercicio de la esquina generalmente se buscan combinaciones de grandes saltos en los que se incluyan pasos como grands jetés, sauts de chats, tours, tours jetés, grand pas de basque o grand pas de chat.

Entre los beneficios de la danza clásica para la profesión de actores y actrices adultos/as  se encuentran

mejora considerablemente la elasticidad del cuerpo, reeduca y corrige la postura, mejora la coordinación, el sentido del ritmo, la musicalidad, desarrollo de fuerza, resistencia, estilización corporal, ​expresividad y ligereza, desarrollo de la discilplina, mejora de la atención y la memoria....

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CLAQUÉ

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Para los principiantes, aprender a bailar claqué

puede ser un excelente ejercicio que aumenta el

ritmo cardíaco. Además, probablemente sea más

divertido que trotar alrededor de la cuadra.

Muchos quieren entrenar los músculos importantes

de las piernas y del torso, y ven el claqué como una

forma divertida de mantenerse en forma.

Otros asumen que aprender tap mejorará su

equilibrio y reducirá la posibilidad de desarrollar

problemas de espalda.

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El claqué es un estilo único que requiere un juego de pies preciso y rápido. Además, el zapato con elque se baila funciona

como un timbre vocal, ya que cada parte produce un ritmo y un sonido distintivos.También se considera el claqué como  el género de baile más distintivo y sensual. El claqué requiere el desarrollo de habilidades de interpretación como la expresión, el enfoque, la musicalidad, la comunicación, el énfasis y la sincronización. Es una forma de baile estadounidense, se practica desde hace unos 300 años.Apareció por primera vez en el sur de los Estados Unidos en la década de 1700 como una síntesis de los musicales británicos y de África occidental. La práctica de este baile tan vibrante y energetizante puede  realizarse de forma independiente o en grupo.

No necesitas zapatos de claqué especiales para aprender algunos movimientos básicos de claqué. Los zapatos de vestir, los zapatos de claqué caseros o incluso un par de zapatillas desgastadas son opciones aceptables.

El estudio de claqué para actores y actrices que se dedican (o quieren dedicarse profesionalmemte) al Teatro Musical es imprescindible. Es complementario a la práctcia del Jazz Broadway. Es una técnica fundamental en las coreografías de Teatro musical clásicas y contemporáneas.  

El claqué también puede ser un ejercicio muy recomendable de baile para todos y todas los/as intérpretetes  de cualquier especialidad, ya que sus beneficios son innumerables para la práctica escénica:

1. Aumenta el ritmo cardiaco, la resistencia  física y la capacidad pulmonar, mejorando la resonancia y la proyección vocal.

2. Fortalece la musculatura, estiliza y tonifica: proporcionando una mejor postura, manteniéndonos en condiciones óptimas para el trabajo que requiera de un gran rendimiento corporal.

3. Mejora el equilibrio, la postura, la coordinación, la atención y memoria.

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FLAMENCO  

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Todos los tipos de baile reflejan

fielmente la cultura y la sociedad y,

como puedes imaginar, el flamenco no

es una excepción. El flamenco es

considerado como una manifestación de

la cultura y la lengua de la población

andaluza y gitana. El baile flamenco

es la demostración de un estado de

ánimo y de una forma de vida

diferente. De hecho, el baile flamenco es la

manifestación artística de emociones muy

intensas. Por lo tanto, es obvio que el ritmo y la expresión de sentimientos son los dos aspectos más importantes de este tipo de baile. Son, de hecho, absolutamente necesarios para su correcta ejecución. En otras palabras, la postura del bailarín, la estética y la representación de la danza son elementos esenciales de la actuación.

Si bien los denominadores comunes de la pasión están siempre presentes, no existe un solo baile flamenco.

De hecho, dependiendo de los criterios de intención anímica, el conjunto de frases melódicas y las tradiciones culturales que hay detrás de cada canción, el baile flamenco se puede expresar a través de más de 50 palos distintos …El flamenco en su conjunto (cante, música y baile) implica una gran dosis de improvisación personal. En este sentido, el bailarín debe seguir la música y las emociones del cantaor/a en cada momento de la actuación. Sin embargo, la expresión personal del bailaor (o bailaora ) debe ceñirse al estricto marco de las tradiciones y patrones rítmicos de la música flamenca.

Son características del baile flamenco:

• Libertad y orgullo de la postura.

• Sensibilidad y profundidad de los movimientos.

• Movimientos naturales, sensibles y coquetos de la bailaora .

• Movimientos arrogantes, fuertes y masculinos del bailaor.

Todos ellos son de suma importancia y representan lo que tradicionalmente se conoce como el duende del baile flamenco. Obviamente, el duende depende completamente de la expresión y actitud del palo que se está ejecutando. Debe reflejar verdaderamente la esencia de la danza.

Por lo tanto, las expresiones corporales y faciales del bailarín son cruciales. Tiene que ser capaz de expresar sentimientos y emociones a través del cuerpo y de expresar el alma de la danza al bailar y moverse.

Cada palo se encuadra  dentro de estos grupos:

• Cante Jondo . Es el palo más profundo y serio, y suele considerarse el origen del flamenco. Es un estilo de canción complejo que viaja en un territorio emocional pesado (por ejemplo, muerte, desesperación, duda, angustia).

• Cante Chico . Es el más simple de los tres estilos. Suele tener un ritmo rápido, frívolo y ligero y transmite diversión, diversión, amor, humor, el mundo bucólico del campo.

• Cante Intermedio . Todo palo que no puede ser incluido en una de las categorías anteriores pertenece al Cante Intermedio . Suele ser más animado y suele ir acompañada de guitarras, castañuelas y palmas. También puede incorporar elementos de otros estilos musicales españoles.

         

         Entre la variedad de palos flamencos los más importantes son:

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• El fandango es un baile popular, donde una pareja expresa su cortejo. El baile se acompaña de guitarras y castañuelas o palmas.

• Seguiriya (o siguiriya , deriva de seguidilla , del verbo seguir , seguir). Es uno de los palos más importantes y profundos . Es un baile increíblemente sobrio, con movimientos lentos y ritmo. Su paso fundamental consiste en un andar rítmico a base de golpes secos, sonoros y cortados, realizando el bailarín un movimiento de avance y retroceso en el mismo espacio. Las canciones son generalmente oscuras y dramáticas y las letras hacen referencia al sufrimiento en las relaciones humanas, el amor y la muerte.

• Solea . Es uno de los palos flamencos más sencillos, acompañado de una guitarra . También es uno de los bailes más interpretados por los/as artistas y por su tipo de movimientos es más adecuado para que lo bailen las mujeres. La bailaora baila las letras que improvisa el cantaor/ la cantaora. A continuación, interpreta un zapateado y suele terminar con unas bulerías . Las canciones son solemnes, dolorosas e increíblemente tristes.

• Toná (deriva de tonada , tonada). Pertenece a una categoría llamada cantes a palo seco , que son palos cantados a cappella (sin música involucrada).

Todos ellos forman parte del Cante Jondo y constituyen el compás básico de casi el resto de los palos .

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Además de estos, aquí hay otros palos muy populares:

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• La alegría , originaria de Cádiz , es el baile flamenco más antiguo, que se caracteriza por la musicalidad de los tonos de guitarra. De hecho, es el más estrictamente estructurado de los palos flamencos . Tanto es así, que gran parte del resto de palos flamencos toman como base las alegrías para componer sus coreografías. La salida (entrada), paseo (caminar), silencio (silencio), castellana (sección alegre) y zapateado (golpeteo del pie en el suelo) se siguen en un orden estricto y, a menudo, se terminan con una bulería .

• La bulería es un estilo de cante festivo y se utiliza como colofón de otros bailes (como una soleá o una alegría ). Es el más alegre y divertido de todos los bailes y se distingue por su ritmo rápido, sin duda, hecho para bailar. Gracias a su enérgico compás , las buleriás son comunes al final de una actuación cuando los bailarines se paran en semicírculo y cada uno de ellos se turna para bailar una parte de la música.

• La farruca es un palo flamenco de origen gallego de extrema dificultad y exigencia de un alto nivel de ejecución. Es más un baile masculino que femenino, al punto que cuando lo interpreta una mujer, lo baila con pantalones para ayudarla a resaltar el característico zapateado , acompañado de silbidos.

• Las sevillanas son sin duda el palo menos flamenco ya que se encuentra a medio camino entre el flamenco y otros bailes folklóricos populares andaluces. Sin embargo, es con diferencia la más conocida Está compuesto por cuatro sevillanas con sus letras, que tienen siempre la misma duración y la misma estructura bailable. 

• Tangos. Los tangos flamencos son uno de los palos más tradicionales. Con una gran cantidad de variaciones, los tangos son algunos de los palos más animados, festivos y bailables, y se pueden interpretar con movimientos de gran brillantez y expresividad.

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