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Escuela de teatro musical en Madrid: A chorus Line

Duncan: Escuela de teatro Musical en Madrid

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Chorus Line

El 25 de julio de 1975, A Chorus Line se inauguró en Broadway en el Teatro Shubert. Finalizó en aquel mismo teatro el 28 de abril de 1990 después de 6.137 funciones. Durante algún tiempo, mantuvo el récord como el musical de mayor duración en la historia.

Si bien todos los espectáculos son el resultado de la colaboración, A Chorus Line debe su éxito en particular a su verdadero creador, Michael Bennett. Hasta el momento, nunca un director-coreógrafo había sido tan dominante en la formación de un espectáculo. Si bien Bennett sabía que tenía que atraer a la audiencia comercial, deseaba realizar un espectáculo que destacara a los "gitanos" (un término teatral para los/as bailarines/as del coro). Quería honrar la vida de los y las bailarines/as.


Michael Bennett


Michael Bennett es considerado uno de los mejores coreógrafos de Broadway de todos los tiempos. Nació en Buffalo el 8 de abril de 1943. La carrera de "gitano de Broadway" de Bennett comenzó en el coro de Subways Are For Sleeping (1961), pasó a Here's Love (1963) y terminó con Bajour (1964). Bennett se convirtió en coreógrafo en 1966 con la efímera A Joyful Noise , por la que obtuvo su primera nominación al Tony. Luego vino Henry Sweet Henry (1967) y otra nominación al Tony. Promises, Promises (1968) fue un éxito y le dio a Michael otra nominación. Al año siguiente sería Coco (1969), otro éxito y otra nominación al Tony. Luego vino The Smash Company (1970), y por quinto año consecutivo Bennett obtuvo otra nominación y nueva derrota.

Finalmente, Bennett logró el éxito con Follies (1971). Coreografió y codirigió este musical sobre artistas que envejecen. Ganó dos premios Tony por el trabajo y el baile del número "¿Quién es esa mujer?" se convertiría en uno de los grandes números en la historia de Broadway. Ese mismo año también dirigió la obra de teatro recta Twigs . Dos años más tarde volvería a conseguir otro Tony a la mejor coreografía por Seesaw .

Y entonces llegó Chorus Line

Fue la unión de todos sus elementos en la más pura de las áreas teatrales, un escenario profundo y vacío, por parte de su director y coreógrafo lo que hizo que A Chorus Line fuera tan emocionante para su audiencia. (Franco rico, 1994) La mejor combinación de todos los elementos del teatro musical jamás lograda por un artista de teatro. (Ken Mandelbaum, 1989)

A lo largo de los musicales mencionados anteriormente, Bennett creó un estilo de coreografía que se impuso en cada uno de sus espectáculos. En la cima de su carrera profesional con A Chorus Line , incorporó lo que llamó "puesta en escena cinematográfica", realiando "cortes en salto" a medida que la atención de la audiencia se desplazaba de una figura a otra.

Bennett enfocó a los personajes, repentinamente, como en una película a través de escenas, primeros planos, montajes y borrados. Igualmente efectivo, creativo y dramático fue el uso de espejos por parte de Bennett. Fue una puesta en escena musical que supuso grandes innovaciones , atreviéndose más allá de todo lo que otros musicales habían representado hasta el momento.

A Chorus Line comenzó como un taller con sesiones de "compartir". Un grupo de bailarines se reunió después de los ensayos de otros espectáculos para hablar de su vida personal y profesional. Las sesiones se grabaron en cinta, se escribieron y se armó un libreto musical. (antecedente, sin duda, de la técnica verbatim) El dramaturgo y novelista James Kirkwood (PS Your Cat Is Dead ) y el exbailarín Nicholas Dante compilaron el libreto. El ganador del premio de la Academia Marvin Hamlisch compuso la música y el relativamente desconocido Edward Kleban escribió la letra de las canciones. Neil Simon fue llamado para hacer algunos arreglos de libros no acreditados, agregando algunas de las mejores frases ingeniosas. El trabajo bien combinado de este excelente equipo fue coordinado y guiado en todo momento por Bennett.

El vestuario fue creado por Theoni V. Aldredge , la iluminación (quizás la mejor de todas las realizadas en Broadway ) por Tharon Musser , los escenarios por Robin Wagner , el sonido por Abe Jacob y las orquestaciones por Bill Byers , Hershey Kay y Jonathan Tunick .

Joseph Papp , a través de su New York Shakespeare Festival, se convirtió en el productor del espectáculo. Proporcionó la financiación esencial, el espacio de ensayo/taller y un tiempo inusualmente generoso para que el espectáculo tomara forma.


La historia y las canciones


En lugar de una trama estándar, A Chorus Line tenía lo que podría llamarse un "esquema de puesta en escena" En una audición para una próxima producción de Broadway, un director y un asistente de coreografía eligen diecisiete bailarines. El director comunica a los aspirantes que está buscando un coro de baile fuerte de cuatro niños y cuatro niñas, y quiere aprender más sobre ellos. Luego se les pide que hablen de sí mismos.


"I Hope I Get It" es una secuencia de diez minutos, una de las aperturas más emocionantes de todo el teatro musical. Estamos viendo el comienzo de la fase final de una prueba de Broadway. Un piano de ensayo suena mientras Bennett llena el escenario con brazos y piernas voladores y grupos de bailarines con ropa de ensayo desaparecen y reaparecen.





En A Chorus Line and the Musicals of Michael Bennett (St. Martins Press, NY 1989), el autor Ken Mandelbaum escribe:

Este momento, uno de los más célebres del espectáculo, representa la combinación perfecta de tema, concepto de puesta en escena, subrayado musical, iluminación y escenografía que marca toda la velada.

Después de que el director (Zach) informa a los ( y las) bailarines/as que deea saber más sobre ellos/as, comienzan a hablar con gran renuencia, revelando partes de sus historias de vida. Para conseguir este trabajo, deben arriesgarse.


"I Can Do That" hace que Mike recuerde su primera experiencia con el baile, viendo la clase de baile de su hermana cuando era un niño en edad preescolar. Un día su hermana se negó a ir a clase, y él la sustituyó ya para siempre.




"Hello Twelve, Hello Thirteen, Hello Love" Todos las bailarinas/ los bailarines comparten recuerdos de su traumática adolescencia. El número sorprende constantemente y está vivo con emociones cambiantes, sintomáticas de los años que personifica temáticamente. Este es el primero de varios lugares del libreto donde se trata el tema de la homosexualidad. A Chorus Line fue el primer musical de Broadway en hacerlo.


La escena pasa a "Nada", los recuerdos de Diana de una horrible clase de actuación en la escuela secundaria, y luego a "Dance Ten, Looks Three", la explicación de Val de que el talento no cuenta para todos los directores de casting. Sigue un monólogo desgarrador en el que Paul, emocionalmente vulnerable, acepta su carrera temprana, su hombría y su sentido de sí mismo.


"The Music and The Mirror" fue el solo más largo jamás creado para un musical. Habla del amor de Cassie por la danza. Ella es una excelente "gitana" veterana que ha tenido algunos éxitos notables como solista. Puede que, de hecho, sea demasiado buena para un coro. Pero ella necesita el trabajo. Aún más, ella necesita bailar. Donna McKechnie interpretó este papel en el elenco original, un papel creado en gran parte en torno a sus experiencias de vida reales tal como las relató en los talleres.

¿ Y qué sucederá cuando ya no puedes bailar ...?

Después de que Paul cae herido y se lo llevan, el director pregunta a los bailarines restantes qué harán cuando ya no puedan bailar. "What I Did For Love" expresa el impulso emocional que mantiene a estos bailarines enfocados, siempre esperanzados.




"One", es la gran pieza que nos muetsra el estilo irónico de Bennett. Comienza con una reverencia individual para cada uno de los diecinueve personajes, su mezcolanza de ropa de ensayo reemplazada por idénticos trajes dorados con lentejuelas. A medida que cada bailarín se une al grupo, de repente es difícil distinguir uno del otro. Cada personaje que era un individuo para la audiencia ahora es un miembro anónimo de un conjunto.

El número ofrece la coreografía más llamativa del espectáculo. Los bailarines/las bailarinas forman una cuña triangular que vuela en un círculo de patadas, celebrando el brillo y la emoción de Broadway. Pero hay una ironía subyacente de que las personas que sabemos que son especiales tuvieron que convertirse en partes de una línea, trabajando anónimamente en sincronía para respaldar a alguna estrella. En una imagen final e inolvidable, el grupo de baile forman una línea de patadas que técnicamente nunca termina, ya que las luces se desvanecen a medida que el elenco comienza. Bennet dijo:

Quiero que el público salga del teatro diciendo: '¡Esos chicos no deberían estar en un coro!' Y quiero que los espectadores vayan a otros espectáculos y piensen en lo que realmente se ha hecho para hacer ese coro. . . Se desvanece con ellos pateando. Eso es todo. Ese es el final del espectáculo. No hay arcos. No creo en los arcos, solo en el desvanecimiento. Así es la vida de un bailarín.
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A Chorus Line se estrenó con críticas entusiastas casi unánimes y funcionó durante quince años. Ganó casi todos los premios posibles, incluido el Premio Pulitzer de Drama. Recibió nueve premios Antoinette Perry de 1976:

  • mejor musical

  • Mejor director de musical (Michael Bennett)

  • Mejor coreógrafo (Michael Bennett)

  • Mejor libro (James Kirkwood y Nicholas Dante)

  • Mejor banda sonora (Marvin Hamlisch y Edward Kleban)

  • Mejor actriz en un musical ( Donna McKechnie - Cassie)

  • Mejor actriz de reparto en un musical (Carole Bishop - Sheila)

  • Mejor actor destacado en un musical (Sammy Williams - Paul)

  • Diseñador de iluminación (Tharon Musser)

Si bien este musical sobre musicales se centró en la vida de los bailarines, el público en general descubrió que el espectáculo hablaba de sus vidas y experiencias individuales.

Sin embargo, parecían ser los/las artistas profesionales y los futuros aspirantes los más afectados por A Chorus Line . Los/as artistas más jóvenes sintieron el emocionante potencial de sus sueños, y los/as artistas más experimentados/as se identificaron con la lucha por permanecer en el negocio, no solo para ganarse la vida sino también por vocación. De alguna manera, encontraron sus propias historias en ese escenario con todas las alegrías y decepciones, miedos, recuerdos y esperanzas.





 

Recursos

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Sala Duncan. Escuela de Teatro Musical en Madrid


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